Die Haut, in der ich wohne

Spanien 2011 - Originaltitel: La piel que habito - Regie: Pedro Almodóvar - Darsteller: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet, Roberto Álamo, Blanca Suárez, Eduard Fernández, Bárbara Lennie - FSK: ab 16 - Länge: 120 min. - Start: 20.10.2011

Pedro Almodóvar hat nach seinem gradlinigen Publikumserfolg „Volver“ (2006) nur zwei weitere Filme realisiert: mit „Zerrissene Umarmungen“ (2009) und nun auch „Die Haut, in der ich wohne“ verabschiedete sich der spanische Regisseur von einer linearen Erzählstruktur und präsentierte kryptisch verwobene Storylines, die stilistisch eher an die zeitliche Komplexität von „La mala educación“ (2004) erinnern. „Die Haut, in der ich wohne“ profitiert zwar von der Dekonstruktion der Zeitebenen und hält auch eine Reihe respektvoller Referenzen an klassische Vorbilder bereit, die mit den nicht weniger bekannten Almodóvar-Themen verschmelzen. Aber die Melange, die dabei entsteht, wirkt gelegentlich etwas holperig und lässt den Betrachter diesmal leider etwas unterkühlt zurück.

Distanz und Nähe

Der Körper einer jungen Frau in einem fleischfarbenen Bodysuit streckt sich während einer gymnastischen Übung. Vera ist grazil und zerbrechlich. Und sie ist eine Gefangene, die über eine Gegensprechanlage mit der alten Haushälterin Marilia kommuniziert, die ihre Wünsche höhnisch kommentiert. Wenn Veras Herr und Meister abends in sein Haus zurückkehrt, schaut er sich als Erstes das übergroße Bild der schönen Gefangenen an. Der Blick auf die weiblichen Rundungen der Liegenden erinnert trotz der Zierlichkeit Veras an ein barockes Frauenportrait, doch das Bild ist kein Gemälde, sondern das Überwachungsbild einer Videokamera, das auf einen monströs überdimensionierten Flatscreen projiziert wird. Und wenn Vera später stumm aus der Kadrage hinausblickt, kann Robert sie mit seiner Fernbedienung ganz nah an sich heranholen. Der Kamerazoom als Synonym für die Dialektik von Distanz und Nähe verspricht in Pedro Almodóvars neuesten Film gleich am Anfang Unheilvolles.

Basierend auf dem Roman Mygale von Thierry Jonquet erzählt Almodóvar die Geschichte des Hautchirurgen Professor Robert Ledgard (Antonio Banderas), dessen Forschungen zur Obsession werden – oder ist es umgekehrt?
Ledgard will eine neue und wesentlich robustere Haut entwickeln, um Menschen mit schweren Gesichts- und Körperverletzungen ihr natürliches Aussehen zurückzugeben.
Mit der Integration genetischer Elemente von Tieren (Transgene) in das menschliche Genom stößt der Mediziner allerdings an die Grenzen der Bioethik und wird von seinen Fachkollegen eher gemieden. Doch statt mit Mäusen zu experimentieren, hat Ledgard bereits die letzten Grenzen überschritten: seine Gefangene ist, man ahnt es, die ästhetische Vollendung von Forschung und Resultat.

Der Plot von „Die Haut, in der ich wohne“ ist alles andere als uneindeutig. Während vordergründig Georges Franjus Horrorfilm „Augen ohne Gesicht“ (Fr/ITA 1960) Pate stand, wird sich Almodóvars düsterer Genre-Mix bald auch an ganz andere sattsam bekannte Vorbilder herantasten und dabei den Fundus plündern.
Antonio Banderas spielt einen Mad Scienctist. Weniger in schlichter Dr. Frankenstein-Manier, sondern in seiner Radikalität eher an den kirren Seth Brundle aus David Cronenbergs Remake „The Fly“ (Kanada, USA 1986) erinnernd. Thematisch wurde auch bei Vincenzo Natalis Gen-Thriller „Splice“ (Kanada, FR, USA 2009) über die Schulter geschaut. Auch in Almodóvars Film geht es um die Transformation von Körpern, nur werden hier nicht Mensch und Fliege verschmolzen, sondern Mensch und Schwein.
Das Ergebnis ist wie in „Splice“ ein Art von Hybridisierung: die schöne Vera trägt eine genetisch manipulierte schweinisch-menschliche Haut und diese Chimäre war dereinst Vincente, ein junger Modedesigner, der unter dem Skalpell des Chirurgen zur Frau mutierte.
Also etwas von Cronenbergs Body Horror, aber dieser wird konterkariert: nicht etwas Monströses entsteht am Ende der grausigen Experimente, sonders etwas explizit Schönes, eine zerbrechliche junge Frau, was man in Kenntnis von Almodóvars Themenwelt durchaus als ironische Hommage interpretieren kann.

Quer durch die Genres

„Die Haut, in der ich wohne“ beginnt als Psychothriller, verwandelt sich in einen Horrorfilm und endet als Melodram. Um neben der physischen Transformation auch die filmische zu begründen, zerlegt Almodóvar die zeitliche Gliederung des Films. Er beginnt mit dem Mittelteil, springt zum Anfang und präsentiert dann das Ende. Diese Verschachtelung hat durchaus etwas Verblüffendes, weil Almodóvar Ursache und Wirkung gegen den Strich bürstet: wenn man erst nach der Wirkung die Ursache kennenlernt, wird ganze Monstrosität des Projekts erst vollständig sichtbar.
So sieht man zunächst, wie die bildschöne Vera Cruz sich an ihren abweisenden und sich fast schüchtern gebenden Gebieter anschmiegt und um dessen (auch erotische) Zuneigung wirbt. Schicht für Schicht wird nun abgeblättert. Wir erfahren, dass die strenge Haushälterin Roberts Mutter ist, die für die alsbaldige Beseitigung Veras plädiert. Und wir sehen in kurzen Flashbacks, dass Roberts Frau Gal vor Jahren mit seinem brutalen Bruder Zeca durchbrannte und mit dem Auto verunglückte. Während Zeca überlebte, wurde Gal schwer entstellt. Obwohl Robert versucht, seine Frau zu „re-konstruieren“, begeht Gal, angeekelt von ihrem Äußeren, Selbstmord. Norma, ihre Tochter wird unfreiwillig Zeugin des Suizids und landet traumatisiert in einer Nervenklinik. Und Zecas bizarrer Auftritt in einem Tigerkostüm wird eine Reihe von Gewalttaten auslösen – am Anfang und am Ende warten Verrat und Rache auf die Protagonisten und das Werben um Nähe und Zärtlichkeit ist zugleich authentisch und auch Teil einer minuziös geplanten Intrige.

Erst nach dem Mittelteil erzählt uns Almodóvar die Vorgeschichte: die Re-Modellierung einer Frau nach dem Vorbild einer geliebten Toten erinnert natürlich an Hitchcocks „Vertigo“, während die kurzen Skizzen der der spanischen Upper Class durchaus eine Portion Luis Buñuel erkennen lassen: wenn Robert während einer Hochzeitsfeier im Garten die sexuellen Exzesse der bourgeoisen Jugend beobachtet, erinnert die ansonsten in schön sesignten Settings schwelgenden Kameraarbeit von José Luis Alcaine zumindest einmal dezent an die Handschrift des großen Surrealisten. Im Garten, der eigentlich Synonym für die paradiesische Unschuld ist, entsteht fast biblisch auch die Saat des Bösen: hier wird Roberts Tochter das Opfer einer eher misslungenen Vergewaltigung durch den jungen Vincente, was sie letztendlich ebenfalls in den Selbstmord treiben wird.
Der Rest ist die ambivalente Suche nach Zärtlichkeit und Rache. Das geht selten gut.

Roberts Mutter wird irgendwann sagen, dass sie ihre Kinder „wahnsinnig geboren“ habe, da sie den Wahnsinn bereits in sich trage. Antonio Banderas spielt den Mad Scienctist nicht mad, sondern eher unterkühlt. Die minimalistische Spielweise lässt psychologischen Deutungen wenig Spielraum, das Obsessive zeigt sich nicht in der Mimik, sondern in der Kälte des Handelns. Ähnlich wie James Stewart in „Vertigo“ verschafft dem Virtuosen der Haut nicht der Prozess der Verwandlung die große Lust, sondern das Ergebnis. Dass der Interruptus kurz vor dem Höhepunkt allerdings tödlich enden kann, erinnert stark an Hitchcocks morbiden und durchaus etwas nekrophilen Thriller. Während Banderas allerdings den Zuschauer auf Distanz hält, besitzt Elena Anaya in dem Film eine kraftvolle Präsenz. Die Verwandlung einer geschundenen Kreatur in einen göttlich schönen Racheengel ist großes Melodram und fügt den starken Frauenrollen in Almodóvars Werk eine weitere hinzu. Anaya erhielt für ihre formidable Leistung 2012 Spaniens wichtigsten Filmpreis Goya als beste Hauptdarstellerin.

Transsexualität und Transvestitismus sind natürlich bekannte Themen von Pedro Almodóvar. In „Die Haut, in der ich wohne“ sind sie allerdings nicht Ausdrucksformen der Non-Konformität einiger greller Außenseiter im bonbonfarbenen Almodóvar-Kosmos. Diesmal drehte der Spanier seine bevorzugten Sujets vielmehr durch den Fleischwolf der Genretopoi und stellt sie damit quasi auf den Kopf. Dabei erscheint allerdings ein anderes Motiv aus Almodóvars Fundus in neuem Glanz: das der starken Frau. So besiegelt Almodóvars männliche Hauptfigur ihr Schicksal, indem sie aus einem schwachen, etwas saftlosen Jüngling eine Chimäre macht,  deren Weiblichkeit der Figur die Stärke gibt, einen subtilen Komplott zu schmieden, der Liebe und Nähe, Verrat und Befreiung einschließt.

Hier, so zeigt der Film, darf man nicht dem Äußeren trauen und die künstliche Haut wird im wahrsten Sinne des Wortes Ausdruck für Verletzlichkeit und abweisende Härte. Das alles funktioniert als Mix aus Horror, Psychothriller, ein wenig noir und vertrauten Zitaten streckenweise schrecklich schön, aber leider weist die Inszenierung Almodóvars diesmal, und das ist durchaus eine Überraschung, einige Holprigkeiten auf, die die elegante Souveränität, mit der der Spanier sonst seine Vexierspiele präsentiert, vermissen lässt.