In ihrem Haus

O.: Dans la maison, Regie und Buch: François Ozon, Frankreich 2012, Länge: 102 min, D.: Fabrice Luchini, Kristin Scott Thomas, Ernst Umhauer, Bastien Ughetto, Emmanuelle Seigner.

Mit den Augen eines anderen die Welt zu entdecken, dabei aber sachliche Distanz vorzutäuschen, ist ein Thema des Kinos schlechthin. Aber in die intimsten Bereiche des Lebens vorzudringen und den Zuschauer zum Voyeur zu machen, ist wesentlich spannender und dabei auch noch pures Erzählen, denn es gibt kein literarisches oder filmisches Sujet, das nicht von dieser elementaren Neugier des Machers und der verführten Leser und Zuschauer profitiert. Dass die dabei beobachteten Figuren nicht real, sondern fiktiv sind, spielt dabei keine Rolle, denn alles soll ein Spiel sein. In seinem Film „In ihrem Haus“ dekliniert François Ozon dies auf vergnügliche Weise durch.

Lehrern wird dieser Film auf Anhieb gefallen. Der Französischlehrer Germain (Fabrice Luchini) ist zynisch geworden: einfache Aufsatzthemen werden von seinen Schülern in Dokumente unbemühter Banalität verwandelt. Den Twitter- und Facebook-Kids mehr als zwei bis drei selbstverfasste Zeilen zu entlocken, scheint aussichtslos zu sein. Über Literatur mit seinen Schülern zu reden, ist angesichts dieser Sprachlosigkeit absurd und lächerlich. 
Auch die aufreizend leichte Aufgabe, einen Essay über ihr letztes Wochenende zu schreiben, führt zum Desaster. Dann entdeckt Germain die Arbeit von Claude (Ernst Umhauer). Der stille Schüler beschreibt stilistisch begabt und dazu noch spannend, wie er seinen Mitschüler Rapha Artole (Bastien Ughetto) manipuliert hat, um beim gemeinsamen Erledigen der Schulaufgaben in dessen Elternhaus die Familie seines Freundes heimlich ausspionieren zu können. Die maliziös erscheinende Beschreibung von Raphas Mutter Esther (Emmanuelle Seigner) zieht nicht nur den Lehrer an: die Textstelle „der typische Duft einer Frau aus dem Mittelstand“ erscheint Germains Frau Jeanne (Kristin Scott Thomas), einer Kunstgaleristin, gar psychopathologisch verdächtig zu sein. Egal, ob hingerissen oder abgestoßen, beide kleben von nun an den Texten des Jungschriftstellers. Sie sind aufgrund der unwiderstehliche literarischen Cliffhanger im raffinierten Netz eines Fortsetzungsromans gefangen. Fortsetzung folgt.

Das Spiel der Lüste

Das allein könnte schon den Stoff für eine mokante Komödie über die verlorenen Illusionen des Bildungsbürgertums abgeben. Allein die abstrusen Versuche von Jeanne, die Schließung der Galerie durch ihre nicht sonderlich kunstaffinen Besitzer zu verhindern, fallen immer verzweifelter aus. Ihre Erklärungsversuche einer Bilderserie über Wolken liegen irgendwo zwischen Luis Buñuel und Woody Allen: mit der nichtssagende, aber brillant vorgetragener Rhetorik versucht Jeanne die Bilder als dernier cri, als Avantgarde schön zu quasseln, obwohl fast nichts auf den weißen Leinwände zu sehen ist. Aber eine Komödie ist In ihrem Haus dann doch nicht.

Das liegt auch daran, dass Ozon wieder einmal sein Talent voll ausspielt und dabei zeigt, dass er virtuos in allen Genres zu Hause ist. Sein Film ist nämlich auch ein dezenter Psychothriller, der sich einiges bei Alfred Hitchcock und Brian De Palma abgeguckt hat. Obsession und Voyeurismus haben beide Regisseure bekanntlich nicht nur einmal clever und stilbildend zum Gegenstand ihrer hartnäckigen Beobachtungen gemacht. 
In ihrem Haus begibt sich in dem Moment auf ihre Fährte, als Germain damit beginnt, sich in Claudes literarischen Mentor zu verwandeln. Er bestellt ihn immer häufiger zu privaten Lektionen ein und beginnt, an den zunächst realistisch anmutenden Beschreibungen der Artoles herumzumäkeln: hier bitte mehr dramatische Tiefe in den Figurenbeschreibungen, dort mehr Spannungsdramaturgie. Irgendwann verschwimmt dann auch die Fiktion vollständig und der Zuschauer weiß nicht mehr so recht, was Claude tatsächlich erlebt hat und was er für seinen Lehrer wunschgetreu fiktionalisiert. Deshalb schmeichelt sich Claude immer mehr wie ein Symbiont in der Familie ein und beginnt, die Dame des Hauses verführerisch zu umgarnen und zu einer Romanze zu verleiten. Ist dies noch real oder beginnt hier bereits die Verführung des Mentors? Ein wenig (aber wirklich nur ein wenig) lugt hier Michel Foucaults Definition vom Spiel der Lüste um die Ecke, mit der Foucault die Aufmerksamkeit auf die verborgenen und vorangehenden Machtbeziehungen lenken wollte, die alle (erotischen) Lüste bestimmen, wobei die Regeln natürlich ständig verworfen oder erweitert werden können.

Natürlich geht es in „In ihrem Haus“ daher auch um Manipulation, aber die Lust daran ist die des Erzählens, und dort können Regeln schließlich auch über den Haufen geworfen werden...
Claudes Ziele bleiben in diesem Spiel mysteriös. Schildert er die fortschreitende Manipulation seiner Gastfamilie, um eigentlich die Germains zu manipulieren? Ist seine Neugier literarisch stimuliert oder sucht sich der aus ärmlichen Verhältnissen kommende Schüler nur eine neue Familie? Stimmt seine Vita überhaupt oder ist auch sie nur ein Instrument der Steuerung und Lenkung? 

Ozon geht noch einen Schritt weiter und sprengt schließlich den diegetischen Erzählraum. Irgendwann taucht nämlich Germain in einer von Claude beschriebenen Szene auf, nämlich als Claude und Germain allein miteinander sind, und kommentiert den Verlauf der Handlung, ja, er verlangt sogar Änderungen. Von Anfang an war Ozons Film etwas, was die Narratologie eine mise en abyme nennt, eine Verdoppelung, die dann auftritt, wenn eine Geschichte erzählt wird, in der eine Figur ihrerseits eine Geschichte erzählt. Und diese mise en abyme, die den illusionären Charakter der hermetischen Erzählung auflöst und den Leser/Zuschauer mit der Konstruiertheit des Ganzen konfrontiert, wird nun auch noch metaleptisch (hier sei an Woody Allens The Purple Rose of Cairo erinnert, aber Life of Pi, vgl. http://bigdocsfilmclub.blogspot.de/search?q=Life+of+Pi), denn der Erzähler ist Teil seiner eigenen Geschichte und im vorliegenden Fall hat er es auch noch mit seinem Mentor zu tun, der in diese Geschichte eindringt und sie gerne in eine andere Richtung lenken möchte. 

Hommage an Alfred Hitchcock

Das hört sich arg theoretisch an, ist es aber nicht, denn Ozon serviert das Ganze mit einer unangestrengten Leichtigkeit. Dass sich dann aber Mentor und Schüler in ihren literarischen Konstruktionen verfangen, führt schließlich zur Katastrophe: Germain besorgt seinem jungen Schriftsteller den bevorstehenden Mathematik-Test von Rapha, da Claude beteuert, er könne nur dann weiter bei den Artoles ein- und ausgehen (und damit 'Stoff' für seine Geschichte erhalten), wenn Rapha den Test besteht. Am Ende verliert Germain seinen Job und seine Frau und Claudes Romanze mit Esther findet kein romantisches Ende. Und so sitzen Germain und Claude in der letzten Einstellung des Films gemeinsam als Freunde auf einer Parkbank und schauen sehnsuchtsvoll auf die Fenster der Häuser um sie herum, Fenster, hinter denen wohl weitere Geschichten warten. Man muss sich halt nur Zugang zu den Wohnungen verschaffen.
Welche Sehnsüchte sich hinter diesem Voyeurismus verbergen, mag der Zuschauer für sich selbst entscheiden. Vielleicht ist es die Lust am heimlichen Belauschen und gleichzeitig auch die Lust am Geschichtenerzählen. Aber die eigentliche Subtilität besteht dann doch wohl darin, in diese Geschichten eingreifen zu können. Und so sind die allerletzten Bilder des Films eine Hommage an Rear Window (Fenster zum Hof) von Alfred Hitchcock, der mustergültig darin war, die Freuden des heimlichen Zuschauens und der erotischen Sublimierung zu demonstrieren und den Zuschauer dabei auch noch zum Komplizen zu machen.

Noten: Melonie, BigDoc = 1, Klawer = 2

Damit übernahm In ihrem Haus Platz Nr. 1 im laufenden Rating.

Deutsches Haus - Disney+ erzählt vom ersten Auschwitz-Prozess

Wenn man bei Google nach „Deutsches Haus“ sucht, findet man natürlich Einträge zu der neuen Disney+-Serie. Aber noch mehr Links zu gleichnamigen Restaurants, Kneipen und Hotels, die so heißen. „Deutsches Haus“: das steht für Tradition, für gutbürgerliche Küche, die Schweineschnitzel, Spiegeleier mit Bratkartoffeln oder Kohlroulade nach Hausfrauenart anbietet. „Deutsches Haus“ ist ein Synonym für Dignität.

In der neuen Disney+-Serie wird diese Dignität und besonders das Gutbürgerliche vollständig auseinandergenommen. Showrunner Annette Hess erzählt vom ersten Auschwitz-Prozess in Jahren 1963-1965 und was dies mit einer naiven jungen Frau macht, die mit dem Holocaust und dem eisigen Schweigen der Verantwortlichen und der Mitläufer konfrontiert wird. Das Schweigen der Milieus will Verdrängung und Vergessen. Die von Katharina Stark herausragend gespielte Hauptfigur will es nicht und wird prompt mit den Tabuzonen der eigenen Familiengeschichte konfrontiert. Ein Riss, der sich nicht schließen lässt.

Elle

Seit „Black Book“ hat Paul Verhoeven keinen Kinofilm mehr gemacht. Nach zehnjähriger Pause tauchte der holländische Regisseur wieder an einem Set auf und wurde danach für „Elle“ mit einer wahren Flut von Preisen überhäuft. Das Geringste, was man über Verhoevens Skizze einer schwer traumatisierten Frau sagen kann, ist, dass „Elle“ ein fesselnder Psychothriller geworden ist.

Ja, „Elle“ ist sogar komisch. Während Paul Verhoevens Hauptfigur Michèle Leblanc sehr kompetent und dominant mit ihrer Freundin Anna (Anne Consigny) im gemeinsamen Unternehmen erfolgreich äußerst gewalthaltige Computerspiele produziert, ist ihre Familie ein Trümmerfeld. Michèles Sohn Vincent (Jonas Bloquet) hat es nur zu einem Job in einem Burger-Schuppen gebracht. Seine schwangere jähzornige Freundin Josie (Alice Isaaz) hat ihn vollständig unter ihre Fuchtel genommen und Vincent ist nach der Geburt des Kindes selbst dann nicht imstande, den wahren Vater zu erkennen, als ihm im Krankenhaus ein farbiges Kind in die Arme gelegt wird. Michèles greise Mutter Irène (Judith Magre) lässt sich regelmäßig mit Botox liften und führt ein reges Sexualleben mit deutlichen jüngeren Männern. Und Michèle? Die hat sich von ihrem Mann Richard, einem erfolglosen Schriftsteller, getrennt und unterhält mit dem Mann (Christian Berkel) ihrer Freundin Anna eine beinahe desinteressierte Affäre. Dabei mimt sie beim Sex auch mal eine Tote, um ihren Lover in Fahrt zu bringen.

The Danish Woman – beinahe perfekte Miniserie bei ARTE

Mit der Miniserie „The Danish Woman“ präsentiert ARTE in seiner Mediathek eine Perle der schrägen Serienkunst, die man nicht verpassen sollte. In sechs Episoden erzählt die französisch-isländische Co-Produktion, an der ARTE und das ZDF beteiligt waren, eine mit Gewalt aufgeladene Geschichte. Dabei wird nicht nur bigotte Bürgerlichkeit aufgedeckt, sondern auch die manische Besessenheit einer extrem gefährlichen Frau, die für Ordnung und Gerechtigkeit sorgen will, aber einen nicht enden wollenden Alptraum auslöst.

Ditte Jensen heißt die Frau, die auf den ersten Blick als harmlose Oma durchgehen könnte. Jedenfalls nur so solange, wie sie in einem unattraktiven Wohnviertel von Reykjavik Gemüse in einem von ihr angelegten Beet anbaut und sorgsam pflegt. Doch Ditte verbirgt ein düsteres Geheimnis, das so übel ist, dass man aus Jugendschutzgründen bei ARTE  „The Danish Woman“ ohne Account nur zwischen 22.00 und 6:00 Uhr  sehen kann.

Nomadland - Chloé Zhaos Film entdeckt Nomaden auf vier Rädern

„Nomadland“ erhielt sowohl bei den Oscars 2021 als auch bei den Golden Globe Awards 2021 die Auszeichnungen als Bester Film. Chloé Zhao wurde in beiden Wettbewerben für die Beste Regie in den Adelsrang erhoben. Und Frances McDormand wurde bei den Oscars als Beste Hauptdarstellerin ausgezeichnet. Überhaupt wurde Zhaos dritter Spielfilm mit Preisen zugeschüttet, bei Filmfestspielen von Venedig 2020 gab es den Goldenen Löwen.
Das ist schon eine Menge für einen Film, über den Juliane Liebert in der Süddeutschen ironisch schrieb, dass „eine stoische Hauptfigur widrige Umstände erträgt, die Leute sich weitgehend aus dem Weg gehen, viel in der Natur sind und sonst nichts passiert.“ Die eigentliche Überraschung ist aber nicht, dass eine in den USA lebende chinesische Regisseurin ausgezeichnet wurde, sondern dass ein Independent Movie bei den Oscars die prominente Konkurrenz, etwa Davids Finchers „Mank“, aus dem Rennen warf.

Unterleuten - Das zerrissene Dorf

Goldfarbene Felder, aber immer noch ein Land in der Strukturkrise. Matti Geschonneck erzählt in dem ZDF-Dreiteiler von einem Dorf mitten in Brandenburg, das in eine schwere Krise gerät. Erst gab es die Treuhand, nun fallen Investoren in Unterleuten ein, die einen Windpark bauen wollen.
Die Verfilmung von Julie Zehs gleichnamigen Roman wurde als TV-Meilenstein angekündigt. „Unterleuten“ ist tatsächlich ein sehenswerter Dreiteiler geworden, gespielt vom Who is Who der deutschen Schauspielergarde. Ein düsteres Gesellschaftsdrama und ein Spiegelbild der Kleinkariertheit, das allerdings eine Frage nicht beantwortet.

Der Fall Richard Jewell

Clint Eastwoods bislang letzter Film kam bereits Ende 2019 in die amerikanischen Kinos. Dann kam Corona und es dauerte über ein Jahr, bis der „Der Fall Richard Jewell“ die deutschen Streamingportale erreichte und nun auch auf Bluray und DVD erhältlich ist. In wenigen Tagen wird der widerspenstige Moralist Clint Eastwood 91 Jahre alt und er will offenbar nicht aufhören.
„Der Fall Richard Jewell“ basiert auf wahren Begebenheiten. 1996 wurde der Security-Mitarbeiter Richard Jewell drei Tage lang zum nationalen Helden, nachdem er während der Olympischen Spiele in Atlanta in einem Park einen verdächtigen Rucksack entdeckte, in dem eine Bombe tickte. Durch sein entschlossenes Handeln rettete Jewell vielen Menschen das Leben. Dann begannen die Medien und das FBI mit einer Treibjagd. Aus dem Helden wurde ein Täter.

„Die Verlegerin“ – Steven Spielbergs Plädoyer für die Pressefreiheit

Fragt man Regisseure nach der Botschaft ihrer Filme, reagieren die meisten abweisend. Sie haben keine. Angeblich. Steven Spielberg allerdings hat immer eine. In seinem Film „Die Verlegerin“ (Originaltitel: The Post) steht sie überlebensgroß im Raum und kann beim besten Willen nicht übersehen werden. Erzählt wird die Geschichte der Verlegerin Katherine Graham als leidenschaftliches Plädoyer für die Pressefreiheit.

„The Post“ ist die Geschichte einer starken Frau, die zunächst keine ist, aber am Ende über die Mächtigen triumphiert. Eine Traumrolle für Meryl Streep, ein Wunschfilm für Steven Spielberg. Wir sind im Jahre 1971: Nach dem Tod ihres Mannes ist Katherine Graham (Meryl Streep) als Besitzerin und Vorstandsvorsitzende der Washington Post die einzige Frau zwischen dominanten Männern. Obwohl sie einen Spickzettel mitgenommen hat, bekommt sie bei ihrem ersten Auftritt im Aufsichtsrat kein Wort heraus. Ein scheues Reh sei sie gewesen, berichtete später eine Mitarbeiterin. Das, was sie sagen wollte, sagt stattdessen ein Mann. 


„The Handmaid’s Tale“ für Einsteiger

Der Anhang enthält für Neueinsteiger einen Episode Guide der Staffeln 1-5 und einen kompletten Episode Guide aller Folgen der Staffel 6. Dazu gibt es Trivia, die coolsten Sprüche und Links zu einigen Songs des Soundtracks – typisch für die Atmosphäre der Handlung.

Die Rezension zur 6. Staffel findet man hier.

The Handmaid’s Tale – eine visionäre Serie geht zu Ende!

Man konnte „The Handmaid’s Tale“ aus verschiedenen Gründen sehen. Die Serie als politischen Kommentar zu dechiffrieren war einfach – die Begründung ist simpel: in Trumps MAGA-Kabinett sind Politiker unterwegs, die sich offen zum reaktionären Post-Liberalismus bekennen oder religiösen Bewegungen angehören, deren Programm sich verdächtig nah an der Agenda des fiktiven Gottesstaates Gilead orientiert. Aber auch ohne Politanalysen funktionierte die dystopische Erzählung. Die Spannungspower war hervorragend. Man litt mit der Hauptfigur. Elisabeth Moss werden die Zuschauer so schnell nicht vergessen.

Die brillante Schauspielerin spielte als June Osborne acht Jahre lang ihre Figur mit einem breiten Spektrum mimischer Ausdrucksformen: als Dienstmagd und Gebärmaschine musste sie die Unterdrückung durch Männer in einer ultra-brutalen Theokratie ertragen. Verzweiflung und Angst verwandelten sich bei June in harte Entschlossenheit und am Ende in eine archaische Mischung aus Hass, Rache und dem Wunsch nach Gewalt und Vergeltung. Eine brillante darstellerische Metamorphose. Dank ihr gewann Moss als „Beste Darstellerin“ bei den Emmy Awards und den Golden Globes. Aber es gab auch andere Gründe, die die Serie zu einem Unikat machten.

Akte X – eine große Serie endet mit einem Desaster

Nach der Midseason kehrten die X-Files mit zum Teil grandiosen Folgen aus der Pause zurück. Die letzte Episode hatte erneut Chris Carter zu verantworten. Wie befürchtet gelang es nicht, Sully und Mulder einen würdigen Abgang zu verschaffen. Aber es gibt eine Lösung!

Die Lösung ist recht einfach: Man vergisst 11x10 „My Struggle IV“ einfach, streicht diese Folge komplett aus dem Gedächtnis und betrachtet die 9. Episode als Ende. Denn besser als „Nothing Lasts Forever“ kann ein Finale nicht aussehen. Zuvor zogen die Macher noch einmal alle Register und schenkten den Fans einige witzige Geschichten. Die zeigten, dass man mit guten Scripts Akte X auch in Zukunft weitererzählen könnte.

Eye in the Sky

„Eye in the Sky“ gehört zu den Filmen, die bemerkenswert sind und trotzdem nicht in den Kinos landen. In Deutschland kann der britische Militär-Thriller ab Oktober auf DVD und Bluray gesehen werden – eine Direct-to-DVD-Produktion, die facettenreicher ist als die heftig diskutierte TV-Adaption von Ferdinand von Schirachs Theaterstück „Terror“. Gavin Hood verhandelt in seinem Film kein abstraktes  moralisches Dilemma, sondern handfeste Fakten: weltweit kommen beim militärischen Einsatz von Drohnen Tausende unbeteiligter Zivilisten um.

In „Terror“ ging es um die moralische No-Win-Situation eines Bundeswehr-Piloten, der ein von Terroristen entführtes Flugzeug voller Zivilisten abschoss, bevor es in ein mit 70.000 Zuschauern gefülltes Stadion gelenkt werden konnte. Was immer der Pilot tut: es sterben Menschen. Und er muss seine Entscheidung allein treffen.

In „Eye in the Sky“ jagt Colonel Katherine Powell (Hellen Mirren) eine Gruppe somalischer Al-Shabaab-Terroristen, die sich in einem Safe House in Nairobi getroffen hat. Als klar wird, dass die Gruppe unmittelbar vor der Ausführung eines Sprengstoff-Attentats steht, drängt Powell darauf, die Attentäter mit einer Reaper-Drohne auszuschalten. Auch in Hoods Film wissen alle, dass dabei unschuldige Menschen sterben werden. Doch anders als in „Terror“ wird dies von Software-Experten in Prozenten berechnet. Kollateralschaden von 65%: nicht gut. 45%: vertretbar. Am Ende entscheidet in Gavin Hoods Film der, der für die richtigen Zahlen sorgt.

Get out

Chris Washington heißt der junge farbige Fotograf aus New York, der mit seiner Freundin Rose eine Reise in das ruhige provinzielle Amerika antritt. Rose ist weiß, aber Sorgen müsse sich Chris nicht machen. Ihre Eltern seien liberal, beteuert Rose, immerhin hätten sie Barack Obama gewählt. Und tatsächlich scheinen alle auf dem Landsitz der wohlhabenden Familie Armitage ihrer afroamerikanischen Mitbürger regelrecht zu lieben. Das kann nicht gut gehen und dass Chris den gleichen Nachnamen hat wie der erste Präsident der USA, wird ihm auch nicht helfen. Und so endet Jordan Peeles Horrorfilm „Get out“ mit einem Blutbad.

Gut, dass „Get out“ gerade auf Bluray und DVD erschienen ist. Das passt zu den aktuellen Ereignissen. Denn Schwarze haben es in den USA nicht leicht. Diese Formulierung ist – zugegeben – ein Euphemismus. Das reale Leben sieht so aus: Ein mutmaßlicher Drogendealer wird von einem Cop im Bundesstaat Missouri mit fünf Schüssen getötet, der Beamte wurde vor einigen Tagen in St. Louis freigesprochen, obwohl er die Exekution in einem Video angekündigt hat. Das Ergebnis: Unruhen und Chaos auf den Straßen.
Nur darf man von „Get out“, der in den USA Anfang dieses Jahres einen wahren Triumphzug antrat, keine politische Aufklärung erwarten. Denn wer dringend „Get out“ benötigt hat, um sich endgültig Klarheit über den rassistischen Wahn zu verschaffen, der hat zuvor schon nicht richtig getickt. Oder konsequent die Zeitungslektüre verweigert. Nein, „Get out“ zielt nicht auf den Kopf, sondern auf die Eingeweide.

The Handmaid’s Tale – Staffel 3 mit starker zweiten Hälfte

In den USA musste man über ein Jahr auf die Fortsetzung der Hulu-Serie warten, in Deutschland war es kaum besser. „The Handmaid’s Tale“ gibt es aber weder bei Netflix noch bei Amazon oder Sky zu sehen. Die Lizenzen haben andere ergattert. Dafür sind DVDs und Blurays seit Anfang Dezember auf dem Markt.

Im Überangebot von neuen Serien und veränderter Genretrends ist die dystopische Hulu-Serie nach wie vor ein Solitär. Auch die dritte Staffel gehört zum besten, was derzeit zu sehen ist. Allerdings muss man etwas Geduld aufbringen. „The Handmaid’s Tale“ nimmt sich zunächst viel Zeit, startet dann aber gewaltig durch.

Toni Erdmann

In Cannes jubelten die Kritiker, große Preise gab es zwar nicht, nur den FIPRESCI-Preis der Filmkritiker, aber die Verleihrechte an „Toni Erdmann“ wurden bereits in 55 Länder verkauft. Ist Maren Ades Film die Wiedergeburt eines „Neuen Deutschen Kinos“ oder eine Kostümklamotte, in der Fremdschämen zur Methode erklärt wird?

Die ersten Lacher im Kino gibt es bereits am Anfang. Winfried Conradi (Peter Simonischek) öffnet einem Paketzusteller die Tür und verwickelt den Ärmsten in ein umständliches Gespräch. Der wird, natürlich unter Zeitdruck stehend, immer nervöser. Aber sein Kunde ruft ins Haus hinein nach seinem Bruder, der sei der Empfänger, dann verschwindet er kurz und dann steht tatsächlich ein zotteliger Typ mit Überbiss vor dem ungeduldigen Zusteller und quittiert den Empfang mitsamt einem fetten Trinkgeld.
Natürlich gibt es den Bruder nicht. Winfried, der pensionierte Musiklehrer hat sich mit ein paar Requisiten passend verwandelt und hat einen Heidenspaß an der Sache. Das Gebiss, das ihn zum trotteligen Kauz macht, trägt Conradi in der Brusttasche seines Hemdes herum. Er schiebt es sich immer in den Mund, wenn es notwendig ist. Und das wird oft der Fall sein.

The Collapse

Was würde mit unserer Gesellschaft passieren, wenn das globale System morgen zusammenbrechen würde? Die achtteilige französische Miniserie „The Collapse“ beantwortet diese Frage mit gnadenloser Konsequenz. 
Ohne die Technologien der modernen westlichen Industriegesellschaften sind die Menschen dem Untergang geweiht.
Erst zerfallen die technischen, dann die ökonomischen Strukturen und fast gleichzeitig auch die moralischen. Die Stationen des Zerfalls werden in „The Collapse“ parabelhaft erzählt, die Episoden sind aber trotz oder vielleicht auch wegen ihrer analytischen Schärfe außergewöhnlich spannend erzählte Geschichten.

George A. Romero ist tot

Am 16. Juli starb George A. Romero im Alter von 77 Jahren im kanadischen Toronto. Romero gelang, was für Tausende Filmemacher ein unerfüllter Traum bleiben wird: Sein bahnbrechender Film „The Night of the Living Dead“ hat einen festen Platz im Kanon der Filmgeschichte, sein subversiver Zombiefilm „Dawn of the Dead“ versetzt noch heute Staatsanwälte und Zensurbehörden in nackte Panik. Aber nicht wegen der Splatter-Effekte.

Die großen Tageszeitungen würdigten George A. Romero nicht etwa in einer Randnotiz. Nein, ein großer Nachruf nach dem anderen erschien. Dabei war Romero weder ein intellektueller noch ein an Filmkunst orientierter Filmemacher. Etwas schien die Kritiker, die in memoriam die bio- und filmographischen Eckdaten zusammentrugen, also bewegt zu haben. Vielleicht war es das Gespür dafür, dass Romero, der übrigens auch einige ziemlich schlechte Filme gemacht hat, in seinen besten Stunden ein instinktsicheres Gespür dafür entwickelt hatte, dass der Horrorfilm wie kein anderes Genre dafür geeignet ist, die conditio humana zu reflektieren. Romero hat dieses Thema nicht mit der feinen Feder nachgezeichnet, sondern mit kräftigen Bildern, derben Allegorien und Metaphern, die direkt am Kopf vorbei auf die Magengrube zielten und von dort aus zum Kopf zurückkehrten.

Wednesday - Die Netflix-Serie ist ein Heidenspaß

Stolz vermeldete NETFLIX Anfang Dezember, dass die horrorkomödiantische Serie „Wednesday“ in nur einer Woche alle Rekorde gebrochen hat. In gerade mal fünf Tagen haben über 50 Mio. Haushalte die achteilige Serie beinahe verschlungen. „Wednesday“ ist ein Spin-Off der Fernsehserien und Kinofilme über die makabre Addams Family. Allerdings taucht die Familie nur am Rande auf.
Im Mittelpunkt steht Wednesday, die Tochter von Gomez und Morticia Addams. Sie landet nach einem derben Streich in der Nevermore Academy, einer Highschool für Ausgestoßene. Und das sind Gorgonen, Vampire, Werwölfe und Gestaltwandler. Als ein geheimnisvolles Monster in den Wäldern wütet und Menschen umbringt, versucht Wednesday dem Geheimnis auf die Spur zu kommen. Sie tut dies auf so bezaubernde Weise, dass einem eiskalt ums Herz wird.

Reise in die Kälte III: „Wolfsnächte“

Jeremy Saulniers Film „Wolfsnächte“ (Hold The Dark) gehört zu den exklusiven Angeboten von Netflix Im Sektor Spielfilm. Verfilmt wurde William Giraldis gleichnamiger Erfolgsroman, der zumindest atmosphärisch ein Sequel von Tony Sheridans „Wind River“ sein könnte. Leider fehlt Saulnier die erzählerische Tiefenschärfe, um Sheridans Winterepos auf Augenhöhe begegnen zu können.
Mit der AMC-Serie „The Terror“ und dem Film „Wind River“ und wurden im Sommer dieses Jahres von mir zwei tiefschwarze Geschichten besprochen, die als „Reise in die Kälte“ empfunden wurden. In „The Terror“ spiegelte die beinahe vollständige Auslösung von zwei Schiffsbesetzungen in der Kälte der Arktis die geringe moralische Fallhöhe von Menschen im Angesicht des sicheren Todes wider. Den Terror übte nicht eine feindliche Umgebung aus, sondern von Menschen, deren arrogantes Ignorieren der Naturkräfte ihren Untergang einleitet. 

„Westworld" - die neue HBO-Serie

In „Westworld“ können die gut betuchten Gäste eines Vergnügungsparks die Sau rauslassen. Alles sieht aus wie in einem alten Kinowestern, in Sweetwater kann man völlig risikolos Androiden abknallen, mit ihnen herumvögeln und sie nach Belieben misshandeln. Die künstlichen Geschöpfe wehren sich nicht und wenn sie zurückschießen, dann treffen sie die Besucher nicht. Die Menschen kommen in der neuen HBO-Serie also nicht gut weg.

Umso mehr die künstlichen Geschöpfe. Sie entdecken am Ende ihr eigenes Bewusstsein. Aber nur, weil nicht nur die Gäste, sondern auch ihre Schöpfer sie systematisch quälen und peinigen. Qual, Verzweifelung und Erniederung als Quellen des „Selbst“: die Menschwerdung stellt man sich anders vor. Aber: Wären die echten Menschen auch bessere Menschen, wäre diese Serie nie entstanden.
Wer es wollte, konnte „Westworld“ vor einigen Monaten in der englischen Originalfassung auf SKY sehen. Dazu gehörte Mut und mehr als nur eine Handvoll Vokabeln, denn der Sci-Fi-Mix aus Western und hypermoderner Bewusstseins-Simulation glänzte nicht nur wegen seiner berauschenden visuellen Qualitäten, sondern auch durch seine metaphernreichen und nuancierten Dialoge, die Autor und Regisseur Jonathan Nolan ("The Dark Knight") und Co-Autorin Lisa Joy den Menschen und den Robotern in den Mund gelegt hatten. Ab 2. Februar läuft nun die deutsche Synchronfassung.